Вдохновение не продается, вдохновение продает

Как искусство помогает коммерсантам создавать узнаваемость и ценность, какие рекламные кампании были сделаны великими художниками и как некоммерческие произведения искусства становились моторами продаж — этой теме была посвящена встреча членов петербургского закрытого нетворкинг-клуба «Бизнесмены – гедонисты», состоявшаяся 14 августа 2025 года в арт-коворкинге «Ясная Поляна».

Это уже вторая встреча в арт-пространстве, организованная Банком «Санкт-Петербург» в рамках премии для предпринимателей Северной столицы и Ленинградской области «Малый бизнес – Большие возможности». В этом году состязание проходит под девизом «Искусство быть предпринимателем». Первая встреча прошла 4 июля.

Клуб дает замечательную возможность для общения творческих людей, занимающихся бизнесом, и предпринимателей с творческим подходом к делу.

Есть прописная истина: талантливый человек талантлив во всем. Общение и обмен идеями — вот что, прежде всего, ценно в этих встречах — отметила, открывая событие, директор Дирекции массового корпоративного бизнеса и развития продаж Банка «Санкт-Петербург» Маргарита Анисимова.

О чем эта лекция

Как гении оставались творцами, даже когда работали в «низком» жанре. Эту тему в своей лекции «Маркетинг и искусство: как Уорхол, Дали и Баскиа делали гениальную рекламу для мировых брендов» раскрыла искусствовед, соосновательница культурно-образовательного проекта bigcity.art Наталья Карасева

Это огромная тема, требующая монографий и диссертаций — тем более, что затронуты были и другие выдающиеся люди. Искусствовед лишь показала разные кейсы. Как большие художники помогали продвижению продуктов? Иногда это происходило как выполнение четко обозначенного заказа, иногда произведения создавались по вдохновению, и лишь потом поднимались на щит теми или иными брендами.

Все истории очень поучительны, особенно для сегодняшних предпринимателей, да еще и работающих в Санкт-Петербурге – культурной столице России.

«Моя специализация — искусство XX—XXI веков. Я люблю этот период, он всегда вызывает споры, бурю эмоций. Это не классический период, который принимают все и который кажется понятным», – пояснила Наталья Карасева.

Простые вещи в XX веке стали частью искусства. В эпоху развития промышленности два мира: высокого и утилитарного объединились. Этому процессу уже больше ста лет. Он привел к удивительному результату, причем ситуация продолжает развиваться.

Особенно плодотворный период для массового выпуска самых разных товаров начался после II Мировой войны. Вот карикатура той эпохи. Пара в галерее — чем она любуется? Мы видим бытовые предметы: холодильник, вентилятор. Люди всматриваются в технические новинки как раньше смотрели на предметы духовного наследия.

Настало время новых ценностей. Люди восхищаются продуктами массового потребления. Возникло направление в искусстве, которое уловило этот тренд.

Умелые руки гения

Но начать рассказ надо с более раннего периода — с Пабло Пикассо. Тему лекции ярко (во всех смыслах) затронули коллажи художника.

Коллаж — это просто. Вспомним, творческие занятия в школе или кружок «Умелые руки» в летнем лагере. Тут, казалось бы, даже уметь рисовать не обязательно: собрали вырезки из журналов, вырезали и наклеили.

Коллажи делали давно, но лишь Пикассо ввел этот формат в сферу искусств. Вот его работы 1912 и 1915 годов. Обои, газеты, какая-то цветная бумага, «деревяшка» хотя это изображение дерева, еще ноты, чертежи какие-то, собрал, склеил. Более 100 лет назад это казалось странным. Именно мысль Пикассо сделала коллажи произведениями вечного искусства.

Художник взял бумагу с названиями популярных парижских универмагов и вставил их в свои работы. Это не был заказ на рекламу. Мастер увидел, что в торговых заведениях идет жизнь, они привлекают людей.

Следующая его работа. Художник добавил в коллаж… стул, настоящий предмет мебели. Так получилась трехмерная инсталляция. Обычный плетеный стул — в парижских кафе рядовой предмет. Художник разрешил ему войти в мир искусства.

Тело как продукт

Вместе с лектором мы перевалили через рубеж середины двадцатого века. Именно тогда появился стиль поп-арт, его основоположник – британский художник Ричард Гамильтон. Классическая его работа создана в 1950-е годы, когда Гамильтону заказали афишу для выставки. И она стала легендарной.

Что же мы видим? Карамель «Чупа-чупс», ветчина, магнитофон, пылесос. Привлекательные мужчина и женщина. Портрет — не имеет значения, чей портрет. Ковер или узор, похожий на настроечную таблицу телевизора. Кинопостер. Эмблема автомобиля «Форд».

«Что общего в этих объектах?» – спрашивает Наталья Карасева. И сама же отвечает: «Это же объекты желания! Все, что хотел бы иметь человек 50х—60х годов».

И все детали коллажа — объекты массового производства. Даже тела мужчин и женщин — это продукт, продукт фитнес-индустрии. Все это массово производится, все не индивидуально, все доступно за деньги.

«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», – так иронически описал картину сам автор. Мы тешим себя мыслью, что мы уникальны. А живем мы плюс-минус одинаковую жизнь. Гамильтон это понял еще в 1956 году.

Многорукий поп-арт

Самым известным представителем поп-арта признан американец Энди Уорхол. Это имя слышали даже далекие от мира искусства люди. Если бы вас пригласили на тематическую вечеринку, предложив явиться в стиле этого художника, вы знали бы что надеть: черная водолазка, большие очки, седой парик.

Он был связан с коммерцией с самого начала своего пути. Он родился в 1928 году, в первой половине 1950-х годов учился в Питтсбурге на иллюстратора. Компьютеров еще не было. Прессе требовалось много иллюстраций, причем создавали их вручную.

Затем художник переехал в Нью-Йорк, успешно работал с журналами. «Я лично люблю его раннюю графику. Она была не такая попсовая», – говорит Наталья Карасева.

Вот пример его творчества: рекламный разворот в журнале. Единорог в цвете «фуксия». Обзор тенденций в мире кожи. Прекрасные туфельки. Все замечательно, Уорхол хорошо зарабатывает подобными вещами. Но ближе к 1960-м он чувствует, что уперся в потолок возможностей коммерческого иллюстратора.

И Энди Уорхол открывает студию «Фэктори» («Фабрика»). Даже этим названием намекает, что царит эпоха консюмеризма. Он понимает искусство, как товар.

Банки колы, банки консервированных супов — все слышали об этих его произведениях. Но и люди, например, Мерлин Монро, — тоже продукт.

У него на студии работали десятки людей, порядка 40 человек — действительно мануфактура или даже самая настоящая фабрика. В день они выпускали порядка 80 произведений. Поэтому работы Уорхола можно найти по доступной цене в районе 10 тыс. долларов — это массовая печатная графика. Штамповка, трафарет — это способ ускорить производство, почти конвейер. Работа подмастерьев. Рука самого художника стоит на порядок дороже.

Искусствовед затронула тему «Уорхол и мир музыки» — его работы как дизайнера пластинок.

Обложка с бананом, альбом для группы «The Velvet Underground». Но на обложке нет названия музыкальной группы. Есть образ уже теряющего свежесть банана. (